Искусство эпохи Возрождения в Италии

образный строй росписи, её драматургия, жизненно убедительные, чуть

грубоватые герои.

Иногда в выражении силы и остроты чувства Мазаччо опережает своё время.

Вот фреска «Изгнание Адама и Евы из рая» в той же капелле Бранкаччи.

Зритель верит тому, что Адама и Еву, нарушивших Божественный запрет, ангел

с мечом в руках действительно изгоняет из рая. Главное здесь — не

библейский сюжет и внешние детали, а ощущение беспредельного человеческого

отчаяния, которым охвачены Адам, закрывший лицо руками, и рыдающая Ева, с

запавшими глазами и тёмным провалом искажённого криком рта.

В августе 1428 г. Мазаччо уехал в Рим, не закончив росписи, и вскоре

внезапно умер. Капелла Бранкаччи стала местом паломничества живописцев,

перенимавших приёмы Мазаччо. Однако многое в творческом; наследии Мазаччо

сумели оценить лишь следующие поколения.

В творчестве его современника Паоло Уччелло (1397—1475), принадлежавшего

к поколению мастеров, работавших после смерти Мазаччо, тяга к нарядной

сказочности приобретала подчас наивный оттенок. Эта особенность творческого

стиля художника стала его своеобразной визитной карточкой. Прелестна его

ранняя маленькая картина «Святой Георгий». Решительно шагает на двух ногах

зелёный дракон с винтообразным хвостом и узорчатыми крыльями, словно

вырезанными из жести. Он не страшен, а забавен. Сам художник, вероятно,

улыбался, создавая эту картину. Но в творчестве Уччелло своенравная

фантазия сочеталась со страстью изучения перспективы. Эксперименты,

чертежи, зарисовки, которым он посвящал бессонные ночи, Вазари описывал как

чудачества. Между тем в историю живописи Паоло Уччелло вошёл как один из

тех живописцев, кто впервые стал применять в своих полотнах приём линейной

перспективы.

В молодости Уччелло работал в мастерской Гиберти, затем выполнял мозаики

для собора Сан-Марко в Венеции, а вернувшись во Флоренцию, познакомился с

росписями Мазаччо в капелле Бранкаччи, оказавшими на него огромное влияние.

Увлечение перспективой отразилось в первом произведении Уччелло —

написанном им в 1436 г. портрете английского кондотьера Джона Хоквуда,

известного итальянцам как Джованни Акуто. Огромная монохромная

(одноцветная) фреска изображает не живого человека, а его конную статую, на

которую зритель смотрит снизу вверх.

Смелые искания Уччелло нашли выражение в трёх его известных

картинах, заказанных Козимо Медичи и посвящённых битве двух флорентийских

полководцев с войсками Сиены при Сан-Романо. В удивительных картинах

Уччелло на фоне игрушечного пейзажа сошлись в ожесточённой схватке всадники

и воины перемешались копья, щиты, древки знамён. И, тем не менее, сражение

выглядит условной, застывшей на редкость красивой, поблёскивающей золотом

декорацией с фигурами коней красного, розового и даже голубого цвета.

В Ы С О К О Е В О З Р О Ж Д Е Н И Е

Высокий Ренессанс в Средней Италии

С конца XV столетия Италия начинает испытывать все последствия

невыгодного для нее экономического соперничества с Португалией, Испанией и

Нидерландами. Северные города Европы организовывают ряд военных походов на

разрозненную и теряющую свое могущество Италию. Этот трудный период

вызывает к жизни идею объединения страны, идею, которая не могла не

волновать лучшие умы Италии.

Общеизвестно, что определенные периоды расцвета искусства могут не

совпадать с общим развитием общества, его материальным, экономическим

статусом. В трудные для Италии времена и наступает недолгий золотой век

итальянского Возрождения - так называемый Высокий Ренессанс, наивысшая

точка расцвета итальянского искусства. Высокий Ренессанс совпал, таким

образом, с периодом ожесточенной борьбы итальянских городов за

независимость. Искусство этого времени было пронизано гуманизмом, верой в

творческие силы человека, в неограниченность его возможностей, в разумное

устройство мира, в торжество прогресса. В искусстве на первый план

выдвинулись проблемы гражданского долга, высоких моральных качеств,

подвига, образ прекрасного, гармонично развитого, сильного духом и телом

человека-героя, сумевшего подняться над уровнем повседневности. Поиск

такого идеала и привел искусство к синтезу, обобщению, к раскрытию общих

закономерностей явлений, к выявлению их логической взаимосвязи. Искусство

Высокого Ренессанса отрешается от частностей, незначительных подробностей

во имя обобщенного образа, во имя стремления к гармоничному синтезу

прекрасных сторон жизни. В этом одно из главных отличий Высокого

Возрождения от раннего.

Леонардо да Винчи (1452-1519) явился первым художником, наглядно

воплотившим это отличие. Он родился в Анкиано, около селения Винчи; отец

его был нотариусом, перебравшимся в 1469 г. во Флоренцию. Первым учителем

Леонардо был Андреа Вероккио. Фигура ангела в картине учителя "Крещение"

уже отчетливо демонстрирует разницу в восприятии мира художником прошлой

эпохи и новой поры: никакой фронтальной плоскостности Вероккио, тончайшая

светотеневая моделировка объема и необычайная одухотворенность образа. Ко

времени ухода из мастерской Вероккио исследователи относят "Мадонну с

цветком" ("Мадонна Бенуа", как она называлась раньше, по имени владельцев).

В этот период Леонардо несомненно некоторое время находился под влиянием

Боттичелли. Его "Благовещение" по детализации еще обнаруживает тесные связи

с кватроченто, но спокойная, совершенная красота фигур Марии и архангела,

цветовой строй картины, композиционная упорядоченность говорят о

мировоззрении художника новой поры, характерном для Высокого Ренессанса.

Покинув Милан, Леонардо некоторое время работал во Флоренции. Там

творчество Леонардо словно озарила яркая вспышка: он написал портрет Моны

Лизы, супруги богатого флорентийца Франческо ди Джокондо (около 1503 г.).

Портрет, известный как «Джоконда», стал одним из самых прославленных

произведений мировой живописи.

Небольшой, окутанный воздушной дымкой портрет молодой женщины, сидящей

на фоне голубовато-зелёного странного скалистого пейзажа, полон такой живой

и нежной трепетности, что, по словам Вазари, в углублении шеи Моны Лизы

можно видеть биение пульса. Казалось бы, картина проста для понимания.

Между тем в обширной литературе, посвящённой «Джоконде», сталкиваются

самые противоположные толкования созданного Леонардо образа.

В истории мирового искусства есть произведения, наделённые странной,

таинственной и магической силой. Объяснить это трудно, описать невозможно.

В их ряду одно из первых мест занимает изображение молодой флорентийки Моны

Лизы. Она, по-видимому, была незаурядной, волевой личностью, умной и

цельной натурой. Леонардо вложил в её удивительный, устремленный на зрителя

взгляд, в знаменитую, словно скользящую загадочную улыбку, в отмеченное

зыбкой изменчивостью выражение лица заряд такой интеллектуальной и духовной

силы, который поднял её образ на недосягаемую высоту.

В последние годы жизни Леонардо да Винчи мало работал как художник.

Получив приглашение от французского короля Франциска I, он уехал в 1517 г.

во Францию и стал придворным живописцем. Вскоре Леонардо умер. На

автопортрете-рисунке (1510-1515 гг.) седобородый патриарх с глубоким

скорбным взглядом выглядел гораздо старше своего возраста.

Нельзя себе представить, что Леонардо да Винчи мог жить и творить в

другую эпоху. И, тем не менее, его личность выходила за пределы своего

времени, поднималась над ним. Творчество Леонардо до Винчи неисчерпаемо. О

масштабе и уникальности его дарования позволяют судить рисунки мастера,

занимающие в истории мирового искусства одно из почётных мест. С рисунками

Леонардо да Винчи, зарисовками, набросками, схемами неразрывно связаны не

только рукописи, посвящённые точным наукам, но и работы по теории

искусства. В знаменитом «Трактате о живописи» (1498 г.) и других его

записях большое внимание уделено изучению человеческого тела, сведениям по

анатомии, пропорциям, зависимости между движениями, мимикой и эмоциональным

состоянием человека. Много места отдано проблемам светотени, объёмной

моделировке, линейной и воздушной перспективе.

Искусство Леонардо да Винчи, его научные и теоретические исследования,

уникальность его личности прошли через всю историю мировой культуры,

оказали на неё огромное влияние.

С творчеством Рафаэля (1483-1520) в истории мирового искусства

связывается представление о возвышенной красоте и гармонии. Принято

считать, что в созвездии гениальных мастеров Высокого Возрождения, в

котором Леонардо олицетворял интеллект, а Микеланджело — мощь, именно

Рафаэль был главным носителем гармонии. Конечно, в той или иной степени

каждый из них обладал всеми этими качествами. Несомненно, однако, что

неустанное стремление к светлому совершенному началу пронизывает всё

творчество Рафаэля, составляет его внутренний смысл.

Рафаэль первоначально учился в Урбино у своего отца, затем у местного

живописца Тимотео Вите. В 1500 г. он переехал в столицу Умбрии Перуджу,

чтобы продолжить образование в мастерской известного живописца, главы

умбрийской школы Пьетро Перуджино. Молодой мастер быстро превзошёл своего

учителя.

Рафаэля называли Мастером Мадонн. Настроение душевной чистоты, ещё

несколько наивное в одной из его первых небольших картин — «Мадонна

Конестабиле» (1502 —1503 гг.), — приобрело возвышенный характер раннего

периода Рафаэля — «Обручение Марии» (1504 г.). Происходящая на фоне

чудесной архитектуры сцена обручения Марии и Иосифа представляет собой

образ высокой красоты. Эта небольшая картина уже целиком принадлежит

искусству Высокого Возрождения. Главные действующие лица, группы девушек и

юношей покоряют своим естественным изяществом. Выразительны, певучи, метки

и пластичны их движения, позы и жесты: например, сближающиеся руки Марии и

Иосифа, надевающего ей на палец кольцо. В картине нет ничего лишнего,

второстепенного. Золотистые, красные и тёмно-зелёные тона, созвучные с

мягкой голубизной неба, создают праздничное настроение.

В 1504 г. Рафаэль переехал во Флоренцию. Здесь его творчество обрело

зрелость и спокойное величие. В цикле Мадонн он варьировал изображение

молодой матери с Младенцем Христом и маленьким Иоанном Крестителем на фоне

пейзажа. Особенно хороша «мадонна в зелени» (1505г.). В картине

использована пирамидальная композиция Леонардо, а колориту присуща тонкая

гармония красок.

Успехи Рафаэля были настолько значительны, что в 1508 г. его пригласили

к папскому двору в Рим. Художник получил заказ на роспись парадных

апартаментов Папы, так называемых станц (комнат) в Ватиканском дворце.

Росписи ватиканских станц (1509 – 1517гг.) принесли Рафаэлю славу,

выдвинули его в ведущие мастера не только Рима, но и Италии.

Как и прежде, Рафаэль вновь обратился к излюбленному образу Мадонны с

Младенцем. Мастер готовился к созданию своего великого шедевра –

«Сикстинской Мадонны» (1515 – 1519гг.) для церкви Святого Сикста в

Пьяченце. В истории искусства «Сикстинская Мадонна» - образ совершенной

красоты.

Рафаэль был замечательным мастером рисунка. Здесь ярко проявилось его

безупречное, легкое, свободное чувство линии. Значительный вклад он внес и

в архитектуру. Само имя Рафаэля – Божественного Санцио – в дальнейшем стало

олицетворением идеального, наделенного божественным даром художника.

С великими почестями он был погребен в римском Пантеоне, где его прах

покоится и поныне.

Микеланджело Буонарроти (1475-1564) – величайший мастер Высокого

Возрождения, создавший выдающиеся произведения скульптуры, живописи и

архитектуры.

Детство Микеланджело прошло в маленьком тосканском городке Капрезе близ

Флоренции. Юность и годы учения он провел во Флоренции. В художественной

школе при дворе герцога Лоренцо Медичи ему открылась красота античного

искусства, он общался с великими представителями гуманистической культуры.

Флоренции принадлежат почти все скульптурные работы Микеланджело. Однако в

равной мере и Рим может быть назван городом Микеланджело.

В 1469 г. он приехал в Рим, где к нему вскоре пришла слава. Самое известное

произведение первого римского периода – «Пьета» («Оплакивание Христа»)

(1498 – 1501 гг.) в капелле собора Святого Петра. На коленях слишком юной

для такого взрослого сына Марии распростерто безжизненной тело Христа. Горе

матери светло и возвышенно, лишь в жесте левой руки словно выплескивается

наружу душевное страдание. Белый мрамор отполирован до блеска. В игре света

и тени его поверхность кажется драгоценной.

Вернувшись во Флоренцию в 1501г., Микеланджело взялся исполнить

колоссальную мраморную статую Давида (1501 – 1504гг.). Статуя достигает

пяти с половиной метров высоты. Она олицетворяет безграничную мощь

человека. Давид только готовится нанести противнику удар камнем, пущенным

из пращи, но уже ощущается, что это будущий победитель, полный сознания

своей физической и духовной силы. Лицо героя выражает несокрушимую волю.

Микеланджело считал себя только скульптором, что, однако, не помешало ему,

истинному сыну Возрождения, быть и великим живописцем, и архитектором.

Самое грандиозное произведение монументальной живописи Высокого Возрождения

- роспись потолка Сикстинской капеллы в Ватикане, выполненная Микеланджело

в 1508 – 1512гг.

Гробница папы Юлия II могла бы стать вершиной в области скульптуры, если бы

Микеланджело удалось воплотить в жизнь свой первоначальный замысел: сорок

мраморных статуй должны были украсить мавзолей. До нас дошли «Скованный

раб» – сильный, коренастый юноша, который тщетно стремится освободиться от

оков, и «Умирающий раб» – прекрасный юноша, который ожидает смерти как

избавления от мук (около 1513г.).

После падения республики во Флоренции Микеланджело не чувствовал себя в

безопасности. В 1534г. он покинул родной город и переехал в Рим, где по

заказу папы Павла III написал на торцевой стене Сикстинской капеллы

знаменитую фреску «Страшный суд» (1536 – 1541 гг.). На фоне холодного сине-

пепельного неба множество фигур охвачено вихревым движением. Господствует

трагическое чувство мировой катастрофы. Близится час возмездия, ангелы

возвещают о наступлении Страшного суда.

В последние десятилетия жизни мастер занимался только архитектурой и

поэзией. Творчество великого Микеланджело составило целую эпоху и далеко

опередило свое время, оно сыграло грандиозную роль в мировом искусстве, а

также оказало влияние на формирование принципов барокко.

Высокий Ренессанс в Венеции

Если творчество Микеланджело во второй своей половине уже несет на

себе черты новой эпохи, то для Венеции весь XVI век проходит еще под знаком

чинквеченто. Венеция, сумевшая сохранить свою независимость, дольше хранит

и верность традициям Ренессанса.

Из мастерской Джанбеллино вышло два великих художника Высокого

венецианского Возрождения: Джорджоне и Тициан.

Джорджо Барбарелли да Кастельфранко, по прозванию Джорджоне (1477-1510),

- прямой последователь своего учителя и типичный художник поры Высокого

Возрождения. Он первый на венецианской почве обратился к темам

литературным, к сюжетам мифологическим. Пейзаж, природа и прекрасное нагое

человеческое тело стали для него предметом искусства и объектом поклонения.

Чувством гармонии, совершенством пропорций, линейным ритмом, мягкой

светописью, одухотворенностью и психологической выразительностью своих

образов и вместе с тем логичностью, рационализмом Джорджоне близок

Леонардо, который, несомненно, оказал на него и непосредственное влияние,

когда проездом из Милана в 1500 г. был в Венеции. Но Джорджоне более

эмоционален, чем великий миланский мастер, и как типичный художник Венеции

Страницы: 1, 2, 3, 4